apprentissage

Le théâtre musical s'est imposé dans mon parcours de musicien à une époque où je n'étais pas satisfait de ma pratique et de l'enseignement que je recevais. Mon intérêt pour le théâtre musical s'est intensifié avec le temps car il permettait d'explorer deux disciplines artistiques, l'une enrichissant l'autre.

Ce mémoire présente une réflexion autour d’éléments fondamentaux dans la création d’un espace d’échange et de débats au sein d’une institution dédiée à l’apprentissage de la musique. Malgré des préjugés assez ancrés concernant le rôle de ces institutions maintenant les apprenant·es dans une relative passivité, il s’agit ici de réaffirmer la nécessité de mettre en place des dispositifs pratiques axés sur la recherche, le questionnement et le débat en tant que moyens essentiels de construction active de connaissances pour les apprenant·es.

Qu’en est-il de l’enseignement de la trompette à l’heure actuelle au conservatoire ? Comment peut-on aujourd’hui intégrer une plus grande multi-culturalité au sein du cursus classique ? En quoi une approche pédagogique ouverte s’appuyant sur des pratiques et des esthétiques aussi diversifiées que possible dans les conservatoires peut-elle contribuer à une formation du trompettiste plus en phase avec son temps ?

Cet écrit a pour ambition de mettre en avant la relation entre le jeu et l’apprentissage. L’impact du "vivre ensemble" dans l’enseignement est ici présenté comme l’une des clés de mise en place de nouvelles situations pédagogiques. En passant par le constructivisme et l’éducation nouvelle, je propose de mener une réflexion globale sur l’apprentissage et donc sur l’enseignement, tout en tenant compte du contexte dans lequel ils s’inscrivent.

L'analogie peut-elle être une aide pour le primo-débutant, lui permettant d'aborder l'écriture musicale dès le début de son apprentissage ? Le "détour analogique" peut-il conduire à un terrain neutre où professeur et élève se trouvent à égalité ? L'apprenant en saurait peut-être alors plus que le "Maître Ignorant"? Sous quel signe peut alors se placer cette rencontre ? Quelque soit l'écriture choisie, la partition reste toujours à interpréter… 

Ce mémoire est avant tout le récit personnel d’une expérimentation du cours en binôme et du cours collectif dans différentes écoles de musique associatives. En choisissant de construire ce travail en 3 temps (rupture/expérience/limites et freins), l’objectif est de montrer en quoi la mise en place de ces types de cours doit nécessiter de dépasser des difficultés de communication et de mesurer l’incidence de leur mise en place sur l’organisation musicale, pédagogique et institutionnelle.  

Ce mémoire propose un travail sur le développement créatif de l’élève autour d’une question centrale qui est : en quoi la créativité est-elle apprentissage ? Après avoir mis en évidence les liens qui unissent les processus créer et apprendre à travers un phénomène commun à ces deux processus, la déstabilisation/stabilisation, décrit par Michel Develay dans l’ouvrage « De l’apprentissage à l’enseignement » (ESF éditeur, 2004), l’ensemble du travail s’articulera autour de ce parallèle. 

La question de la pratique collective et du rapport au groupe est assez forte dans l'enseignement artistique. À l'heure actuelle, nos employeurs nous demandent de plus en plus des cours collectifs d'instruments, ce qui parfois provoque des réticences de la part des professeurs mais aussi des élèves. Je me suis donc posée la question du collectif : que veut dire collectif ? Comment enseigne-t-on en collectif ?  Quelle est la posture du professeur ? Contrairement à ce que l'on peut souvent penser, le collectif ne met pas toujours en jeu le groupe.